Dinge zu prüfen, bevor Sie Ihre DSLR-Film schießen - Dummies

Als Filmemacher freust du dich auf die kreativen Aspekte, die beim Einsatz deines Spiegelreflexkameras für die Aufnahme deines Films ausschlaggebend sind. Allerdings werden Sie Ihre Zeit am besten nutzen, wenn Sie diese Dinge in Ihrem Planungsprozess berücksichtigen.

Zum Bearbeiten schießen

Wir alle haben gehört, dass großartige Filme in der Postproduktion gemacht werden. Das ist nur halb wahr. Die andere Hälfte hängt davon ab, wie effektiv Sie jede Szene aufnehmen, genauer gesagt, genug Variationen jeder Szene, damit Sie fundiertere Entscheidungen in der Postproduktion treffen können. Diese Abweichungen der Aufnahme bilden die Grundlage für eine leistungsstarke Bearbeitung.

Aber es gibt eine vernünftige Schwelle. Wenn Sie zu weit schießen, werden Sie zu viel Zeit damit verbringen, die Aufnahmen durchzugehen und sich selbst zu erraten.

Variationen aufnehmen

Eine gesunde Variation jeder Aufnahme zu erfassen, ist die Würze, die jeden Film ausmacht und sicherstellt, dass Ihr Editor Sie nicht haßt.

Wenn Sie eine große Anzahl von Variationen haben, bietet es alternative Möglichkeiten, wenn Sie den Film zusammenstellen. Das hilft beim visuellen Rhythmus des Films und gibt ihm einen guten Flow. Sei nicht geizig, wenn es darum geht, diese Szenen zu drehen. Es ist nicht ungewöhnlich, dass ein Film ein Verhältnis von Schüssen von 20: 1 zu den verwendeten Schüssen hat.

Sehen und lernen Sie aus den Filmen

Wenn Sie das nächste Mal einen Film ansehen, analysieren Sie die Aufnahmestruktur. Sie können einige dieser grundlegenden Aufnahmen sehen:

• Festlegen der Aufnahme: Im Allgemeinen eine Weitwinkelaufnahme, die dem Betrachter einen Eindruck von der Landschaft, dem Ort oder der Logistik einer Szene vermittelt. Dies ist normalerweise die Anfangsaufnahme des Films, kann aber auch verwendet werden, wenn sich der Ort oder die Uhrzeit im Film ändert.

  

• Weit: Eine expansive Ansicht der Szene, die das Thema in Bezug auf seine Umgebung zeigt.

• Mittel: Es ist die Durchschnittsperspektive: Nicht zu nah, nicht zu weit. Es eignet sich hervorragend für Aufnahmen mit Dialogen und Soundbites.

  

• Nahaufnahme: Eine vergrößerte Ansicht der Szene. Manchmal bringt es entfernte Objekte näher; andere Male wird es verwendet, um eine Nahaufnahme zu erstellen.

• Pan: Eine schwungvolle Bewegung der Szene, die sich Seite an Seite bewegt.

• Tilt: Es ist die Version der Kamera, die nach oben, unten oder oben und unten schaut.

• Dolly (Zoom): Ein Mittel zum Verwenden der Brennweite, um die Motive während der Aufnahme der Szene näher oder weiter weg zu zeichnen.

Kamera-Brennweite ändern

Die meisten Aufnahmen werden entweder über die Kamera mit Motivabstand, Brennweite oder einer Kombination von zwei aufgenommen.

• Weitwinkelobjektiv: Bei einem Vollbild handelt es sich um Brennweiten bis zu 35 mm. Es wird meistens für Weitschüsse verwendet, aber manchmal kann man damit auch Normalbereich und sogar Nahaufnahmen aufnehmen.Das hängt von der Entfernung zwischen Kamera und Motiv ab.

• Normale Linse: Die 35-mm-Kamera und die Vollformat-DSLR verwenden ein Standardobjektiv im 50-mm-Bereich. Es erzeugt eine Perspektive, die dem menschlichen Sehen ähnelt, daher ist es durchaus möglich, wenn auch nicht empfehlenswert, einen ganzen Film mit diesem Objektiv aufzunehmen. Der Kamera-zu-Objekt-Abstand variiert dann mit jedem Schusstyp.

• Teleobjektiv: Eine Brennweite, die die Szene vergrößert und Entfernungsobjekte näher bringt. Größtenteils können Sie Nahaufnahmen damit aufnehmen, aber andere Aufnahmen werden immer noch von der Entfernung zwischen Kamera und Motiv beeinflusst.

Master shot structure

Abwechslung ist gut, wenn es darum geht, Szenen für Ihren Film zu drehen. Jede Szene mit einer breiten, mittleren und engen Komposition der Szene zu fotografieren, stellt eine starke Grundlage für die Bearbeitung dar, genauso wie das Erfassen der Action von vorne, von der Seite und vielleicht auch von irgendwo dazwischen.

Weitwinkelaufnahmen sind ein guter Anfang.

Mittlere Aufnahmen geben einen Kontext, aber eine genauere Ansicht.

Enge Aufnahmen zeigen Details.

Overhead-Aufnahmen bieten eine einzigartige Perspektive.

Behalten Sie die Kontinuität zwischen den Aufnahmen bei

Der Unterschied zwischen einem Spielfilm und einem Theaterereignis wie einem Theaterstück besteht darin, dass nur eines linear dargestellt wird. Was auch immer im Spiel passiert, geschieht mit natürlicher Progression. Umgekehrt wird der Film aus der Reihe geschossen und in der Postproduktion wie ein riesiges Puzzle zusammengesetzt. Wenn Sie den Film zusammenbauen, wird manchmal die Konsistenz zwischen verschiedenen Teilen derselben Szene beeinträchtigt.

Um diese Probleme in Ihrem Film zu vermeiden, beachten Sie Folgendes:

• Behalten Sie eine detaillierte Aufzeichnung der Szene bei. Verwenden Sie einen Screenshot jeder Aufnahme, wenn Sie nicht nacheinander Szenen aufnehmen.

• Achten Sie auf die primären Bewegungen des Subjekts. Achten Sie darauf, dass sie konsistent bleiben. Zum Beispiel hat deine Schauspielerin ihre rechte Hand auf ihrer Hüfte in der weiten Einstellung, und du schneidest zum mittleren Schuss und siehst ihre linke Hand auf ihrer Hüfte.

• Halten Sie den Datenverkehr konstant. Obwohl die erfolgreiche Bearbeitung vom Rhythmus zwischen den Aufnahmen abhängt, müssen Sie sicherstellen, dass sie plausibel sind.

• Versteck die 180-Grad-Regel nicht. Diese Regel legt die Subjektplatzierung für das Publikum fest und lässt sie den Raum erfahren. Es ist Teil eines notwendigen Rhythmus, um zwischen den Szenen Plausibilität zu schaffen. Wenn Sie es brechen, verwirrt es den Betrachter.